Линия - 2003 
ЛИНИЯ. Журнал «БАЛЕТ» в газетном формате.
№7/2003
Новости
Светлана Захарова: “Надо быть наравне со временем”
"Богиня танца, русская Терпсихора"
Мария Агатова
Стулья мадам Петуховой
Булгакиада или булгаковщина?
Влюбленные – безумны
Bravo, Рудий!
Московская Эсмеральда 
С  Гришко танцуют все
Большой театр на старте нового сезона 

В Большом театре прошел традиционный сбор труппы. Открыл церемонию генеральный директор ГАБТа Анатолий Иксанов. В числе юбиляров, которых поздравил Анатолий Геннадиевич, оказались Сусанна Звягина и Валерий Анисимов. Директор пообещал коллективу повышение заработной платы, проинформировал о том, что в театре вводится особый режим безопасности и отныне всем работникам и зрителям ежедневно придется проходить сквозь металлоискатели. 
В декабре на Новой сцене будет показана новая версия "Ромео и Джульетты" С.Прокофьева в хореографии Раду Поклитару. Особый интерес к этой постановке привлечет имя известного английского режиссера Деклана Доннеллана. Другой балетной премьерой станет Вечер балетов Джорджа Баланчина, включающий "Симфонию до-мажор" Ж.Бизе, "Агона" И.Стравинского, а также "Па-де-де" Чайковского и Делиба и "Тарантеллу" Готшалка. Новый руководитель балета Алексей Ратманский к концу сезона подготовит премьеру, название которой осталось пока неизвестным. 
В балетную труппу приняты 15 человек. Состав солистов украсила Светлана Захарова - балерина Мариинского театра, уже несколько раз танцевавшая в спектаклях Большого. Нынешний сезон она открывает как солистка Большого. 4 сентября Большой театр открыл сезон сразу на двух сценах. На основной прошла "Хованщина" с участием приглашенной звезды Ларисы Дядьковой (Мариинский театр), на Новой - балет "Светлый ручей".

Юбилей первой балерины
Восемьдесят лет исполнилось народной артистке СССР, первой профессиональной балерине Республики Башкортостан Зайтуне  Насретдиновой.
Она танцевала 23 года, придя в труппу сразу после окончания Ленинградского хореографического училища. Артистичная, одухотворенная , обладающая безупречной техникой, она создала живые, выразительные  образы.  Уже одна роль Зайтунгуль в балете "Журавлиная песня" сделала ее легендой Башкирского искусства. В этой роли она поразила искушенную столичную публику в 1955 году во время Декады башкирского искусства в Москве. 
За годы сценической жизни Зайтуна Насретдинова станцевала ведущие партии в лучших балетах русской, западной, национальной классики. Но особенно дороги ей образы, наполненные драматизмом: Эсмеральда, Одиллия, Лауренсия… И, конечно, Зарема в "Бахчисарайском фонтане". Гордую, страстную и сильную ее Зарему запечатлел башкирский художник Рашит Нурмухаметов.
Из Нижнего - в Китай
Балетная труппа Нижегородского театра оперы и балета в конце сентября отправится на гастроли в Китай. 
Нижегородцы представят спектакли "Лебединое озеро" Чайковского и "Эсмеральда" Пуни. Открытие гастрольного турне состоится в Пекине, в Центре развития национальной  культуры. Далее во многих китайских городах будут показаны спектакли гостей с Волги. В прошлом году в рамках договора с обществом культурных связей провинции Китая Ляонин Нижегородский театр оперы и балета дал 15 спектаклей в городах Шеньян, Харбин, Пекин, Шанхай, Ухань.
Свой 69-й сезон Нижегородский балет откроет спектаклем "Капитанская дочка". Это оригинальная интерпретация произведения Тихона Хренникова, предложенная главным балетмейстером театра Виталием Бутримовичем. Художник-постановщик балета  Наталия Хренникова, дирижер-постановщик - народный артист России Владимир Бойков. В роли Маши выступит Анна Снегина, в партии Гринева - лауреат премии им. Вацлава Нижинского Александр Бутримович.
"Скрипач на крыше"
Петрозаводск. Мюзиклом "Скрипач на крыше" по роману Шолом-Алейхема "Тевье-молочник" откроет 49-й сезон Музыкальный театр Карелии.
За постановку мирового шедевра, который не сходит с подмостков Бродвея десятки лет, взялся Александр Петров, главный режиссер Санкт-Петербургского музыкального театра "Зазеркалье". Танцевальная драматургия спектакля воплощена балетмейстером Ириной Новик. Обещает быть интересной сценография, выполненная художником Ириной Долговой в условной манере. 
По словам режиссера, спектакль "должен получиться щемящим и очень неожиданным". Режиссер, который впервые ставит в столице Карелии, уверен, что в этой работе артисты Музыкального театра предстанут в абсолютно новом качестве. Правда, для того, чтобы все получилось, как задумано, придется основательно потрудиться: "актеры должны заново научиться ходить, дышать, летать. Ведь жанр мюзикла не терпит "спящих" темпов, требуются другая температура, скорость игры и перевоплощения.
Олегу Королеву и Алексею Преснякову, которые сыграют главные роли, и их коллегам предстоят четыре месяца репетиционного погружения - нынешний сезон будет открыт лишь в начале декабря.
"Открытый взгляд" 
Летний Санкт-Петербург в пятый раз  стал центром современных танцевальных ритмов. Для участия в Пятом международном фестивале современного танца "Открытый взгляд" в город на Неве прибыли более трехсот российских и зарубежных участников: из США и Испании, Польши и Норвегии. За десять дней зрители смогли увидеть труппы разного уровня и направлений. Профессиональные и любительские. С мировым именем и новые, еще не известные российской публике. Организаторы определили основную цель всех фестивальных встреч как интеграцию различных направлений современного танца, популяризацию его как части культуры нового столетия.   "Для поступательного развития нам необходим обмен опытом. Петербургский фестиваль его предоставляет сполна", - сказал профессор университета штата Юта (США) хореограф Эдвард Труйтт. Главным событием форума стал спектакль проекта "Аврора Бореалис"  "Танец Авроры - Огонь в небесах", который совместно создали артисты России, США и Польши. Это своего рода поэтическое путешествие сквозь пространство. "Мы попытались соединить науку и мифологию, выразив их танцем, музыкой и визуальными искусствами", - такими словами предварила первый показ автор и руководитель проекта Мейди Визерс, профессор американского университета Джорджа Вашингтона. В спектакле, идея которого появилась в 2000 году, использованы видеозаписи и фотосъемки северного сияния с территории Аляски, России и Норвегии, а также снимки из космоса и компьютерные изображения этого явления. Музыку к спектаклю написал норвежский композитор Остин Саваг. Среди именитых участников - американский танцовщик Мигель Гутиерес, выступивший с программой "Могучие люди". Форум танца прошел на базе Петербургской школы джаз-модерн танца "Кэнон Данс" под руководством Вадима Каспарова.
В честь Стравинского
В Петербурге открыта мемориальная доска в память о классике русской музыки Игоре Стравинском. Бронзовая доска установлена на доме номер 6 по Крюкову каналу, где композитор жил и работал с 1882 по 1908 год. Более десяти лет назад памятную плиту уже
устанавливали по этому адресу. Однако она была похищена. Доску с барельефным портретом Игоря Стравинского работы скульптора Яна Неймана на свои средства восстановил Мариинский театр. На его сцене долгие годы пел отец композитора - Федор Стравинский, здесь не раз ставились произведения его великого сына. Композитору была посвящена праздничная программа "Дань Стравинскому". Исполнялись балеты "Весна священная" и "Свадебка".
Смесь степа и фламенко
В конце октября в Государственном Кремлевском дворце пройдет знаменитое ирландское шоу "Lord of the Dance" в исполнении танцевального коллектива под руководством знаменитого хореографа и танцовщика Майкла Флэтли. 
"Lord of the Dance" с успехом гастролировал в Москве в 2001 году. Артисты представляют современные танцевальные интерпретации самых известных ирландских легенд, средневековых мистерий в сочетании с современными декорациями и уникальными световыми эффектами. Шоу, которое на сегодняшний день сумели увидеть уже свыше восьми миллионов зрителей многих стран мира, оказывает сильное эмоциональное воздействие на зрителей - около 70 танцоров создают мощный магический ритм древних легенд и кельтского танца. Руководитель труппы и создатель шоу Майкл Флэтли занесен в Книгу Рекордов Гиннеса как "обладатель самых быстрых в мире ног", которые совершают до 27 движений в секунду. 
120 раз Майкл Флэтли завоевывал звание чемпиона по танцам в 13 странах, и побеждал почти на всех чемпионатах, проводившихся в США. В 1981 году Майкл Флэтли стал работать с легендарной группой "The Chieftains", на счету которой 6 премий Grammy. Майкл Флэтли разработал собственный стиль танца, представляющий смесь ирландского и американского степа и фламенко.
"Бубен дружбы" на Амуре
В национальном селе Сикачи-Алян состоится завершающий этап фестиваля-эстафеты обрядовых и фольклорных праздников "Бубен дружбы".
Большой праздник, в котором примут участие национальные коллективы Хабаровского края и японские делегации, стал завершающей точкой в большом и ярком действе. Первые звуки "Бубна дружбы" прозвучали еще весной, в национальном селе Арка Охотского района. Затем в июне в селе Датта Ванинского района состоялся праздник орочей. К слову, впервые за многие годы он был посвящен культуре и традициям этого северного народа. В июле произошла "Встреча сородичей" в удэгейском селе Гвасюги, а затем - обрядовый праздник в селе Ачан Амурского района. Его посвятили 45-летию  этнографического коллектива "Сиун".
Праздник в селе Сикачи-Алян, завершающий фестиваль-эстафету, соединит в себе танцевально-песенные традиции и обряды коренных малочисленных народов Приамурья. Его организаторы, в числе которых Министерство природных ресурсов Хабаровского края и Краевое научно-образовательное творческое объединение культуры, надеются таким образом еще раз привлечь внимание общественности к проблемам сохранения  уникальной культуры дальневосточных этносов.
Московский дебют  Тьерри Маландена
Государственный Театр наций и Французский культурный центр в Москве представят 21 октября на сцене Филиала Малого театра Национальный хореографический центр - Балле Биарриц под руководством Тьерри Маландена с программой одноактных бспектаклей “В честь Русского Балета Сергея дягилева”. Московские зрители впервые увидят ставшие уже знаменитыми в Европе постановки Маландена “Пульчинеллы” И.Стравинского, “Послеполуденного отдыха фавна” К.Дебюсси, “Призрака розы” К.-М. фон Вебера и “Болеро” М.Равеля.
“В постановках Тьерри маландена”, - писала французская “Фигаро”, - превалирует музыка. Он умеет передать всю глубину музыкальной партитуры. Тела танцовщиков плавно вписываются и в ее мелодию, и в ее ритм. Его хореографический стиль не отнести ни к классике, ни к современности. Это стиль, который принадлежит лично ему”.
Информация и заказ билетов по телефонам: (095) 507 3925, 748 9185, 923 2621, 229 3739, на сайте Театра Наций - www/freestage.ru  и Малого театра - www.maly.ru.
На земле Калевалы 
Первый Международный фольклорно-эпический фестиваль прошел  в карельской деревне Юшкозеро. Этот праздник в Калевальском районе продолжил череду летних фольклорных фестивалей в Карелии. Организован он был в рамках малого СВС-проекта Тасис "Четыре сезона в Калевале". Проект разработан при методической поддержке Госкомспорттуризма РК. 
Калевальский район Карелии славен народными гуляниями, в основе которых лежат местные традиции и обычаи. Старинные карельские постройки, этнокультурное и языковое своеобразие района и фольклор древних карелов придают особый колорит деревне, первые упоминания о которой встречаются  в церковных книгах XVI-XVII веков. Из 750 жителей деревни Юшкозеро 70 процентов - карелы. 
Координаторы проекта с финской и российской сторон не случайно вывели  фестиваль  на международный уровень - его основой послужил карело-финский эпос "Калевала". 
Центральное событие фестиваля проходило на деревенском стадионе. В гала-концерте участвовали фольклорные коллективы Юшкозера, Калевалы, Петрозаводска, поселков Боровое и Луусалми, исполнявшие древние руны и юшкозерские иойги в традиционном варианте и в современной обработке. Из финской коммуны Суомуссалми приехал баянист Пекки Пёллёнен, выступивший в составе карельского национального ансамбля "Коски". Вместе с артистами ансамбля и луусалмского фольклорного танцевального коллектива "Хумахуш" зрители стали непосредственными участниками шуточных номеров. 
Действие праздника продолжилось на берегу реки Юшкозеро. Около трехсот дворов деревни разбросаны по берегам реки и трем островам.  Острова и берега соединены между собой шестью деревянными мостами. Фестиваль - лишь одно из мероприятий, запланированных в рамках реализации проекта "Четыре сезона в Калевале".

Светлана Захарова: “Надо быть наравне со временем”
Светлане Захаровой, международной звезде, исполнилось 23 года. Новый театральный сезон она начинает как солистка Большого театра России. Уроженка Луцка, получившая балетное образование в Киеве, стала первым персонажем петербургского академического балета, всегда гордившегося кастовой замкнутостью. Сначала Мариинская цитадель не смогла устоять перед уникальными танцевальными данными и великолепной, по-настоящему балеринской "фактурой" Захаровой, а нынче и сцена Большого "легла" перед ней своими легендарными мостками. Светлана Захарова в балете Шехерезада
– Как получилось, что Вы оказались в хореографическом училище?
– В Луцке, где я родилась, нет балетного театра, и в десять лет я даже не предполагала, что буду связана с балетом. Ходила в разные танцевальные кружки, занималась плаванием, всем понемногу. Потом мама решила отвезти меня в Киевское хореографическое училище; я категорически была против, говорила, что учиться там не буду, что хочу жить дома, а не в интернате. Балет меня тогда не интересовал. Но мама просто предложила попробовать поступить. Помню день приемного экзамена: дети-воспитанники еще учились, они были такие выворотные, красивые, причесанные, в костюмах… Мне все очень понравилось. Меня приняли в училище, и с десяти лет я жила в Киеве, в интернате. 
– Что было самым сложным в школе?
– Конечно, очень большая физическая нагрузка. Очень уставала. Поначалу были очень слабые, еще не обросшие мышцами ноги, а нагрузка на колени и стопы колоссальная. 
– Как Вы пришли в Мариинский театр?
– В 1995 году, когда мне было пятнадцать, я представляла Киевское хореографическое училище на конкурсе "Ваганова-prix" в Санкт-Петербурге, где заняла второе место. Предложили поучиться в Академии Русского балета. Неожиданным оказалось то, что меня перевели сразу с первого курса на третий, то есть я перепрыгнула через год, проучившись в итоге семь лет вместо восьми. Меня взяли в выпускной класс, потом была сформирована стажерская группа из нескольких человек, которые могли участвовать в спектаклях Мариинского театра. Мне дали партию Повелительницы дриад в "Дон Кихоте", – тогда мне было шестнадцать. Всем было интересно: справлюсь я или нет. Выступление оказалось очень успешным, меня заметили, фактически сразу взяли в театр, и я попала к одному из лучших репетиторов – Ольге Николаевне Моисеевой.
– Насколько важно для вас, прима-балерины, общение с педагогом-репетитором?
– Наша профессия без репетитора невозможна, пятьдесят процентов результата зависят именно от педагога-репетитора, а остальные пятьдесят – работоспособ-ность, желание, данные. Когда семь лет назад я пришла в класс к Ольге Николаевне, приходилось очень тяжело, было мало жизненного опыта. Она меня подбадривала, говорила, что со временем нужное ощущение все равно придет; помогала, советовала. Когда я начинаю готовить новую роль, Ольга Николаевна рассказывает о своем понимании, но всегда старается оставить место моему видению. Сейчас работать легче: есть большой репертуар, больше опыта. Начинаю понимать, что именно хочу выразить танцем. Уже нет семнадцатилетней девочки, которая слабо представляла себе, что же такое сцена сумасшествия в "Жизели". Когда педагог говорит, что может работать со мной как с актрисой, сложившейся балериной, это приятно слышать. Иногда мы друг друга понимаем с полуслова, но можем и спорить, отстаивая свои точки зрения. Хотя Ольга Николаевна чаще бывает права: она все-таки смотрит со стороны, а мои ощущения могут оказаться ложными.
– От чего зависит ваша работоспособность?
– От многих факторов. Всегда получается по-разному. Внутреннее состояние очень часто определяет общий настрой. Если что-то не ладится, постоянно случаются какие-то неудачи, ссоры, тогда сложно переключаться. Наоборот, хорошее настроение всегда стимулирует. Помогает поддержка близких. Иногда прихожу в зал в совершенно разбитом состоянии, медленно надеваю туфли… Ольга Николаевна что-то рассказывает, потом вдруг говорит: "Можешь сегодня не репетировать", а я сразу думаю: "Как это?" Начинаю что-то делать и постепенно завожусь: срабатывает привычка. Мы привыкли работать много, иногда – вопреки человеческим возможностям.
 – Какая роль на сегодня для Вас любимая?
– У меня несколько любимых партий, я стараюсь не отдавать предпочтения какой-то одной. На репетициях "Лебединого", скажем, нужно "вселиться" именно в этот спектакль, чувствовать себя в немкомфортно, уютно, полюбить героиню. Если я буду думать о другом персонаже, то на сцене будет заметно вранье.
– Расскажите о Вашей последней работе – "Этюдах" Черни-Ландера.
– Несмотря на небольшой объем, "Этюды" достаточно сложны, и мне кажется, что все артисты, которые в них участвовали, вспомнили выпускной экзамен в школе. Экзамен по классическому танцу. Была проделана большая работа, показаны все основные движения, в том числе и те, которые артисты кордебалета не делают в обычных спектаклях. Поэтому для них, наверное, "Этюды" были настоящим испытанием, в котором каждый мог показать себя. В одном акте собрано все: адажио, прыжки, технические детали, которые требуют большой концентрации. 
– Как Вам кажется, насколько сильно зритель чувствует разницу между тем, как выглядит класс на сцене, и тем, как это происходит каждый день? 
– То, что происходит на сцене, и то, что происходит каждый день, это, конечно, разные вещи, хотя комбинации движений у палки одни и те же. Но в "Этюдах" все преподносится с хорошим настроением, парадно, можно сказать. В принципе, идея спектакля очень хороша: зритель увидел нашу кухню, то, над чем мы трудимся. Местами это показано с юмором или пафосом и выглядит особенно интересно. 
– Есть ли у вас спектакли, которые вы недоработали, хотели бы завершить или переделать?
– Grand Pas из балета "Пахита". У меня было очень мало времени на подготовку, и сейчас я даже не вспомню порядок движений, хотя раньше, конечно, его знала. Если я не могу сделать этого сейчас, значит, спектакль не живет во мне, нужно учить заново. Очень плохо помню балеты, которые танцевала только однажды; я, например, забыла "Поэму экстаза" Ратманского или "Now and Then" Ноймайера. Один, несколько показов – очень мало, а больше эти вещи не идут, к сожалению.
– Какой спектакль вы считаете получившимся?
– Гораздо лучше чувствую спектакль, когда он станцован несколько раз, когда я себя в нем уже знаю. Только тогда исполнение обогащается новыми красками и получаешь настоящее удовольствие от того, что делаешь на сцене. А вот премьерные показы не люблю. Часто чувствую себя неуверенно, дискомфортно. В целом же отдаю предпочтение либо бессюжетным балетам, например, балетам Баланчина или "Этюдам", либо "реальным" историям, как "Манон" или "Жизель".
– Вам предлагали длительные контракты?
– Длительные – это значит работа в одном театре несколько месяцев в году, меня это не устраивает. На данный момент у меня есть много контрактов и приглашений, но они предусматривают разовые выступления в каком-либо театре. Приезжаю в другой город, учу спектакль, затем проходит показ. Такая работа мне интереснее. Я работала во многих театрах: выступала в Милане, в театре La Scala; в Мюнхене; в Токио, в Национальном театре Японии; в Канаде, в Вашингтоне, в Нью-Йорке с New York City Ballet, в Лондоне с Covent Garden на сцене Королевского театра. Было и несколько отдельных работ: например, с Английским национальным балетом я танцевала на круглой сцене Альберт-холла. Наталья Макарова предложила мне поработать над ее постановкой "Лебединого озера" в Рио-де-Жанейро. Это было очень интересно, мы близко познакомились, до сих пор поддерживаем связь. Очень рада знакомству с Карлой Фраччи, вместе с ней я работала в Римской опере. Вообще, Италия меня любит. Именно в этой стране я получила две престижные премии, одна из которых – "Лучшая этуаль 2002 года". В целом, интересных проектов было очень много. И сейчас ближайшие два года у меня фактически расписаны.
– А впоследствии? 
– Россию я не хочу оставлять, хотя возможностей сейчас очень много. Но, долго находясь вне дома, понимаю, что хочу думать, говорить по-русски, слышать русскую речь, видеть лица, пусть даже неулыбчивые, но понятные мне. Я русский человек, люблю Россию. Но как все сложится, не знаю… Кто, например, мог знать, что я уеду из Киева в Петербург, а из Петербурга в Москву?
– А как Вы относитесь к Петербургу? Вам в нем уютно? 
– Люблю этот город, но мне в нем не совсем уютно и удобно из-за климатических условий; в последнее время это особенно чувствуется. В теплых странах, в частности, в Италии, работается гораздо лучше. Наверное, надо родиться здесь, чтобы чувствовать себя хорошо. Мне кажется, что лучшее время для приезда в Петербург – белые ночи. Просто обожаю это время. После спектакля тепло, светло, очень красиво. Больше эмоций, солнечное настроение, заряжаешься положительной энергией.
– В каком еще городе Вы хотели бы поработать?
– В Париже. У меня остались незабываемые впечатления. Я станцевала "Баядерку" и “Лебединое озеро" в Grand Opera, но больше двух недель там не находилась. Я уже знаю этот театр, мне нравится его атмосфера.
– Кто Вам интересен из балетмейстеров, танцовщиков? 
– Кого-то выделить сложно. Можно сказать, что я просто хочу, чтобы что-то сделали конкретно для меня. Не люблю, когда приезжает балетмейстер, творит, а все стоят в зале скопом, пытаются повторять, и каждый делает по-своему. Это ужасно. Люблю работать с музыкой, чтобы были только я и балетмейстер. Вот это настоящая работа. 
– С кем из партнеров Вам особенно нравится танцевать? 
– Мне интересно танцевать с разными партнерами, но, главное, чтобы партнер был высоким, подстать мне, умело поддерживал, чтобы с ним было спокойно и уверенно. Очень важно взаимопонимание на репетициях и, особенно, на сцене, во время спектакля. Тогда дуэт будет интересным. 
– Вы открытый человек?
– Открытым можно быть только с людьми, проверенными годами, с теми, кто не предаст. Таких людей очень мало. Понимание, поддержку, энергию можно найти только у хороших друзей, это уже очень родные люди, мама, например. Друзей вне балета найти очень сложно, почти невозможно. Наша профессия замыкает на себе, мне сложно это преодолеть. Люди со стороны говорят как будто на другом языке, с ними тяжело общаться. Но могу сказать, что в балетном мире у меня нет друзей, и я не хочу их искать. Бывало, что кто-то пользовался моим расположением, а потом отворачивался. Совсем другое дело – приятельские отношения. 
– Над чем Вам сейчас хотелось бы поработать? 
В Мариинском театре я станцевала весь репертуар, который хотела. Сейчас хочется, чтобы сделали постановку специально для меня. Это уже крик души. Конечно, "Лебединое", "Жизель", "Баядерка" – это замечательно. Постоянно нахожу для них другие краски, ощущения. Но хочется попробовать и что-то совершенно новое. Я выросла на чистой классике, но мне кажется, что могла бы танцевать все. Например, модерн мог бы стать проверкой для тела. Есть люди, которые просто потрясающе танцуют современную хореографию, так владеют телом, что я начинаю им завидовать. Конечно, может быть, они не могут сделать то, что могу я, потому что у них нет школы. Но век такой, что надо двигаться вперед. Даже классика сейчас пересматривается; отдельные движения, вынимание ноги, прыжки, вращения делаются по-другому, настолько все меняется и развивается в нашем мире, и надо быть с ним наравне. Очень надеюсь, что новые перемены в жизни мне дадут такую возможность.

 Беседовала  Анна Богодист.
"Богиня танца, русская Терпсихора"
Кто не знает  пушкинских строк из "Евгения Онегина", адресованных Авдотье Истоминой? Она - "богиня танца, русская Терпсихора" - была ровесницей поэта. Когда юный Пушкин, распрощавшись с лицеем, приехал в столицу, Авдотья Истомина была уже примой Петербургского балета. Театральный мир называл ее звездой еще в 1816 году, когда юной тацовщице только минуло семнадцать лет. Авдотья Истомина
Расцвет танцевального творчества Истоминой связан с именем прославленного балетмейстера Шарля Дидло. Она танцевала главные партии в лучших балетах хореографа, где достигалась художественная гармония, которая оставляла простор для танцевальных импровизаций исполнителей. 
Авдотья Истомина родилась в 1799 году, к моменту поступления в театральное училище ей было шесть лет. Дошедшие до нас сведения о семье танцовщицы весьма скудны. В списках поступающих в школу - краткая запись: "А. Истомина, дочь полицейского прапорщика". В школе Истомина попала в класс к Шарлю Дидло, который учил не только техническому мастерству, но и вырабатывал в учениках "актерские навыки". Дидло сразу же обратил внимание на природную грацию и музыкальность своей ученицы. Первый раз девятилетняя Авдотья выходит на сцену в балете своего учителя "Зефир и Флора" в роли одной из маленьких нимф…
Закончив училище, Истомина покоряет зрителей исполнением партии Галатеи в балете "Ацис и Галатея" и сразу же занимает положение ведущей танцовщицы. Балерина обладала необыкновенной воздушностью, грацией и легкостью танца, стройностью и гибкостью фигуры. Исполнительская техника Истоминой была безупречна. 
В 1823 году балерина впервые на петербургской сцене танцует Лизу в спектакле "Лиза и Колен, или Тщетная предосторожность". Истомина "основала" русскую традицию прочтения этого образа, в которой юмор сочетался с лиричностью и даже сентиментальностью. Диапазон актерского дарования балерины был очень широк - от драматически-трагедийных ролей до игриво-комедийных.
В черновиках поэмы "Руслан и Людмила" легким пушкинским пером нарисованы головки знаменитых актрис, фигурка балерины, ножка в танцевальной туфельке. Многие пушкиноведы доказывают, что эти росчерки навеяны впечатлениями от балетов Дидло, центром которых была Авдотья Истомина. 
…Двадцатые годы девятнадцатого столетия. Петербург и Москва, Дидло и Глушковский, гениальный учитель и преданный ученик - обменялись пушкинскими балетами. Москва получила в дар "Кавказского пленника" Дидло, репертуар Петербургского театра пополнился балетом Адама Глушковского "Руслан и Людмила". В этих балетах блистала несравненная Авдотья Истомина в партиях Черкешенки и Людмилы. В 1823 году Александр Сергеевич напишет  брату Левушке из Кишинева: "Пиши мне о Дидло, о Черкешенке Истоминой, за которой я когда-то волочился, подобно кавказскому пленнику". 
Не только впечатления от танца Истоминой вдохновляли поэта. Ее жизненная история отразилась в пушкинской повести "Выстрел". Любовь балерины и красавца-богача штабс-ротмистра Василия Шереметева имела трагический финал. Причиной была ревность. Дуэль, в которую были вовлечены Шереметев, Завадовский, Якубович и Александр Сергеевич Грибоедов, получила шумную известность. Шереметев от раны скончался, Грибоедов был ранен в руку. 
В 1829 году во время выступления Истомина повредила ногу и перестала танцевать ведущие партии. Через несколько лет была уволена на пенсию. Умерла во время эпидемии холеры, немного не дожив до пятидесяти лет.
Высокое мастерство, безошибочное чувство стиля, лучезарный, одухотворенный талант Истоминой - во многом определили манеру русского женского исполнительства. 
Нина Ревенко.
Мария Агатова
Десятилетие назад, когда создавалась Академия танца Нового Гуманитарного университета Натальи Нестеровой, как водится в таких случаях, был издан буклет о новом учебном заведении. На обложку решено было поместить рельефную фотографию балерины в красивом экспрессивном прыжке - то была солистка Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Мария Агатова, которая стала педагогом классического танца во вновь созданной Академии.
Говорят, в каждой фатальной случайности есть своя закономерность. За десять лет многое изменилось в работе этой балетной школы, менялся и кадровый состав педагогов. Но главные из них стойко оставались на своих местах, переживая вместе со школой возникающие трудности и постепенно формируя ее статус - достаточно солидного учебного заведения, откуда выходят профессионально подготовленные артисты балета. 
Нынешний выпуск 2003 года педагога Марии Залмановны Агатовой - особенный. Он окончательно закрепил результаты учебного процесса молодой школы и доказал неслучайность отличного предыдущего выпуска пяти учениц Марианны Седовой, которые танцуют теперь в лучших московских труппах, а Настя Куркова солирует в Большом театре. Выпускниц этого года в два раза больше - их двенадцать, и каждая - яркая индивидуальность. Они прекрасно выучены, эрудированны, интеллигентны, полны стремлений и дальше постигать трудную науку балета и науку жизни.  В таком формировании их характеров видится не только профессионализм педагога, но и его горячее, неравнодушное, очень пристрастное отношение к формированию личности будущих артисток. А это, увы, в наши дни становится редкостью.
М. Агатова сама прошла превосходнейшую школу Марии Алексеевны Кожуховой, строжайшего педагога Московского хореографического училища. На выпуске юная балерина танцевала полный балет "Щелкунчик" с партнером Владимиром Голубиным в присутствии самого балетмейстера Василия Вайнонена. Далее ее творчество было связано с театром имени Станиславского и Немировича-Данченко. То были годы, когда коллективом руководили и ставили свои спектакли Владимир Бурмейстер и Алексей Чичинадзе. Агатова солировала в репертуаре; особенно запомнилась она в "Корсаре", "Шехеразаде", "Дон Жуане", "Эсмеральде", "Лебедином озере". Было много успешных зарубежных гастролей, в ходе которых расширялся кругозор, формировались эстетические и профессиональные навыки будущего педагога. А педагогом Мария Агатова ощущала себя с самого начала, еще когда была в зените исполнительства. В одной из поездок ей посчастливилось наблюдать работу М.Т. Семеновой, ощутить то вдохновение Семеновой-педагога, которое сделало ее легендарной и на этом поприще. "Помнится, как гениально она показала ленинградском балерине Эмме Минченок всю пластическую суть "Умирающего лебедя"; а ведь была сама в простенькой кофточке и туфельках. Вот это мастерство педагога, подумала я тогда", - рассказывает М.Агатова.
И судьба вновь помогла ей встретиться с М.Т. Семеновой, когда артистка поступила учиться в ГИТИС на курс профессора Р.Захарова. Но получая специальность балетмейстера-режиссера,она могла наблюдать в ГИТИСе уроки Семеновой на педагогическом отделении, и как губка впитывала ее науку. Все это чрезвычайно пригодилось впоследствии. Вот в таких, порой прихотливых связях и сохраняются традиции русской школы балета.
Заметным событием театральной Москвы 1976 года была постановка молодым хореографом М.Агатовой балета  И. Стравинского "Пульчинелла" на сцене ее родного театра. Постановка "Пульчинеллы" предстала оригинальным творением, решенным в неоклассическом стиле. Она обогатила репертуарную палитру театра, предоставила яркие партии замечательным солистам В. Федянину, М.Крапивину, О. Красиной. О "Пульчинелле" писали критики, отмечая "свежесть балетмейстерского мышления", "выпуклость обрисовки характеров"... Спектакль был перенесен на сцену театра в Алма-Ате. Были также и отдельные концертные постановки для Виолетты Бовт и других солистов. Но, пожалуй, такие творческие опыты оставались эпизодами и лишь оттачивали методические приемы будущего педагога.
И вот в новой Академии танца М. Агатова получает класс семилетних девочек; их она учит в течение десяти лет и доводит до полной профессиональной кондиции.
В балетной педагогике продолжаются дискуссии о том, что лучше и целесообразнее: поэтапно обучать детей от одного педагога к другому или же от начала до конца вести курс одному наставнику. И в том, и в другом способе есть свои плюсы и минусы, а истина, как всегда, находится посередине. Все зависит от конкретных обстоятельств и условий - от личности педагога, от контингента учащихся.
Чем хороши новые "альтернативные" балетные заведения - тем, что они дают возможность  всем  желающим попробовать себя в осуществлении балетной мечты; а мечта сбывается для волевых, трудолюбивых, целеустремленных. В чем "слабое звено" подобных школ? В недостаточно жестком отборе учащихся. Педагогам приходится преодолевать сопротивление "материала", как часто в жаргонном обиходе называют учеников. Но вспомним имена легендарных балерин и танцовщиков прошлого - так ли все они отличались идеальными данными…
Думается, что задача педагога в таком случае перерастает в некую азартную, но умную и расчетливую игру. В течение ряда лет наблюдая класс М.Агатовой, мы констатировали сложный процесс превращения случайных, мало понимающих искусство балета девочек в настоящих юных артистов, "Я не пыталась их "причесать" одна под одну, и тем более под себя. Я стремилась вытянуть из них индивидуальность, показать внутренние и внешние возможности",- рассказывает М.Агатова. Ей это вполне удалось.
Ее ученицы смело участвовали в различных балетных соревнованиях - в Лозанне, Сан-Пельтене, Петербурге, Москве. Некоторые стали дипломантами и лауреатами. Показательно, что после Московского конкурса 14-летнюю Юлию Большакову из класса М.Агатовой приняли в Вагановскую Академию, и сейчас она учится в классе Т. Тереховой, считаясь одной из самых перспективных танцовщиц.
Но и класс Агатовой не оскудел самобытными талантами. Наталия Клейменова, пожалуй, стала звездой школы. На последнем концерте в Зале Чайковского она танцевала па-де-де Авроры из "Спящей красавицы" (партнер М.Михайлов, артист "Кремлевского балета"). Ее Аврора покорила чистотой и классичностью исполнения, органичным ощущением изысканного стиля. У Клейменовой прекрасные данные, форма, музыкальность, чудесная внешность, врожденный ум и скромность. Она может быть одинаково хороша и в классике, и в современных сочинениях. Неслучайно, она была приглашена и танцует в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко. 
Совсем другие Мария Сокольникова и Надежда Твердохлебова. Они олицетворяют амплуа "инженю" - миниатюрные, подвижные, легкие, склонные к комедийности. Они так и видятся в партиях Золушки, Лизы, наивной Жизели. Талант Анны Гущиной контрастно отличается от других. В ее танце чувствуется мощный эмоциональный заряд, волевая энергия. У такой танцовщицы может выработаться настоящий балеринский размах. Многообещающим было ее выступление на последнем московском конкурсе в современном номере "Набат" ("Колокола") хореографа Т.Градусовой, где использовались мотивы русской фольклорной пластики.
Что ждет молодых артисток покажет время (все они востребованы, были приглашены в труппы С. Радченко, В. Смирнова-Голованова, в театр имени Н.И.Сац). Но мы уверены - восторжествует их профессионализм, осознанная любовь к балету, которые были привиты им педагогом  Марией Агатовой.
Галина Челомбитько-Беляева.
Стулья мадам Петуховой
Год назад мюзиклов на московских театральных площадках было много - достаточно для того, чтобы каждый зритель мог найти зрелище  по душе: "Норд-Ост", "Нотр Дам", "Метро"… С промежутком в несколько дней состоялись премьерные показы "Чикаго" и "42-й улицы".  Новый для русского театра жанр молниеносно завоевал сердца миллионов зрителей. 
Казалось, что оптимизм музыкальных постановок, пусть и нехарактерных для российской культуры, благотворно сказывается на настроении наших соотечественников.  Захватывающие песни звучали по радио, полюбившиеся актеры исполняли шлягеры в концертах и в телешоу, даже пестрые рекламные щиты будто бы украшали город…  Музыкальная феерия продолжалась недолго. 
Страшный октябрьский спектакль длиной в три дня не отрываясь от телеэкранов смотрел весь мир.  Терроризм не только унес сотни жизней, но и подломил мюзикломанию в Москве.  Совпадение или закономерность?  Один за другим закрываются "42-я улица", "Чикаго", "Норд Ост".  Причины: пустые залы, и, соответственно, безуспешность коммерческих проектов.   Почти год - ни одной "мюзикловой" премьеры (не считая детского "Эники-Беники").
И вот, порадуйтесь, поклонники музыкального театра, на ноябрь намечена премьера нового российского мюзикла "12 стульев". Как бы повторяя американские традиции, известная история Остапа Бендера сначала была несколько раз экранизирована, а теперь положена на музыку и скоро будет исполнена на сцене Московского Дворца Молодежи молодыми, пока еще не известными дарованиями.  Продюсер проекта Александр Цекало считает роман Ильфа и Петрова любимым произведением нескольких поколений. Он прав.  Действительно, среди плутоватых авантюристов мировой литературы, наследник Чичикова и Кречинского, сын турецко-подданного по имени Остап Бендер является едва ли не самым популярным героем.
Но сможет ли музыка и тексты песен предать ту иронию и юмор, ту неподражаемую игру слов, которыми славится роман. Что касается авторов спектакля, то они не сомневаются в собственном успехе.  Это вполне справедливо, поскольку для полного успеха в коллективе "12 стульев" есть почти все: опытные продюсеры (А.Цекало, Д.Богачев), профессиональный творческий состав (режиссер Т. Кеосаян, автор музыки И.Зубков, автор либретто А.Вулых, дирижер - А. Карапетян, хореограф-постановщик Е.Дружинин), молодые талантливые артисты, удобная театральная площадка.
Пресс-конференция, которая собрала журналистов для знакомства с творческим составом, проходила в форме шахматной игры: продюсеры и авторы играли с журналистами,  каждый раз отмечая ходом заданный вопрос и полученный ответ.  Чувствовалось, что организаторы и авторы проекта готовы заразить весь мир юмором и задором бессмертного романа. 
Сами создатели говорят, что "12 стульев" будет примером классического американского  мюзикла, в котором есть три равноправных составляющих: танец, музыка и текст, а лейтмотив действия - прекрасная жизнь. 
Среди многочисленных танцев, как и в классических американских постановках, будет преобладать лихой степ. Конечно же, зрителям обещают множество сюрпризов, спецэффектов, яркие, необычные костюмы, незабываемые музыкальные ритмы….  Шахматную партию на пресс-конференции авторы проиграли.  Посмотрим, удастся ли им выиграть в тяжелой схватке со все еще напуганным зрителем на премьере, которая запланирована на праздничный вечер 7 ноября. 
Дело завертелось - лед тронулся, господа присяжные заседатели! 
Ксения Фокина
Булгакиада или булгаковщина?
Под конец минувшего сезона в Пермском академическом театре оперы и балета вышла долгожданная премьера балета-фантасмагории "Мастер и Маргарита" по роману М.Булгакова. 
Прежде всего, поражает гигантская работа всего театра, которая в этом сезоне была особенно заметна. Шумная премьера балета Джорджа Баланчина "Ballet imperial", роскошное до приторности восстановление "Спящей красавицы", "Лолита", показанная в канун "Дягилевских сезонов", и сам фестиваль, потребовавший от театра колоссального напряжения творческих сил - все эти события сделали в минувшем сезоне театр оперы и балета средоточием интересов театральной публики и российской и зарубежной критики. И вот в конце сезона поставлена жирная точка. Хотя не уверена, что это верный знак препинания… 
Новый главный балетмейстер Пермского академического театра оперы и балета Давид Авдыш представил, наконец, городу и зрителям первый плод своего труда.
Все недолгое присутствие балетмейстера из Петербурга на пермской земле, вообще-то говоря, очень расположенной к приезжим из этого города, окрашено эпатажными заявлениями и скандалами. 
НА ПОСЛЕДНЕЙ ПРЕСС-КОНФЕРЕНЦИИ ПЕРЕД ПРЕМЬЕРОЙ ЖУРНАЛИСТОВ  "ВАШ РОМАН ВАМ ПРИНЕСЕТ ЕЩЕ СЮРПРИЗЫ
 Если есть в мировой литературе произведение, которое постоянно провоцирует театр во всех его видах на попытку завоевания, то это знаменитый роман Булгакова. Когда-то первую постановку совершил Ю.Любимов в театре на Таганке. Успеху не помогла даже разгромная рецензия в "Правде". Одноактный балет по этому роману был поставлен Б.Эйфманом в Питере. Только что "Мастер" был привезен на чеховский фестиваль берлинским театром "Фольксбюне" в интерпретации и постановке известного немецкого режиссера-левого толка Франка Касторфа. 
Отдельные фрагменты в общую картину не сложились. Все так называемые "догадки" и "собственные прочтения" оборачиваются либо банальностью, либо театральной пошлостью. Образцом её можно смело назвать московскую постановку Романа Виктюка, лейтмотивом которой стало сакраментальное "Сатана там правит бал". 
Что-то в булгаковском романе есть опасное. Какая-то внутренняя защита, которая не допускает интерпретаторов дальше порога. А хочется. Риска любому предприятию добавляет то, что для определенной части публики роман Булгакова нечто вроде Священного писания, а для кого-то модное чтиво, которое, не переварив, проглотили в годы разрешенной смелости даже те, кто и буквы -то плохо помнил. 
Не будем говорить о мифотворчестве Булгакова - в зашифрованных образах романной демонологии без "Булгаковской энциклопедии" не разобраться. Театры и не пытаются. Режиссеры и хореографы любят свиту Воланда простой незамысловатой любовью. Обычно во всех театральных постановках, независимо от того слово или танец является художественным средством, мы видим сексапильную девицу Геллу, Бегемота, смахивающего на Кота в сапогах, и фигляра Коровьева, чаще всего объединенного с Азазелло. 
Что же касается линии романа Мастера о Понтии Пилате, то здесь театрам сам черт не брат. Лубочные Иешуа и римляне из учебников истории  шокировали безапелляционные манифесты Давида Авдыша, ничем не прославившего себя на балетных сценах к своим пятидесяти годам. Тем не менее, балетмейстер объявил, что свой спектакль он считает последним словом в хореографии, поскольку, по его мнению, безнадежно устарели и Баланчин, и Бежар, не говоря уже об Эйфмане и Боярчикове. Забегая вперед, должна отметить, что количество хореографических и театральных "цитат" в балете явно говорит не в пользу этих громких заявлений. 
В Пермском театре, хранящем высокое достоинство профессии и помнящем о своих корнях и традициях не только классического, но и современного балета, не привыкли к громким декларациям априори. Давид Авдыш, известен в мире шоу, музыкальных ревю, театров варьете, гала-представлений международного уровня. Он постановщик хореографических "подтанцовок" певцов типа Распутиной, Киркорова, Леонтьева. И вдруг (хотя, конечно же, не вдруг) он стал в прошлом году главным балетмейстером Пермского академического театра оперы и балета. Естественно, это вызывало тревоги и опасения в среде деятелей искусства. 
Представленный им балет-фантасмагория эти опасения усилил. костюма - таков пасьянс. Увы, все образы романа давно уже превратились в символы масскультуры . Я думаю, такого всенародного успеха не мог предположить и сам автор. Роман, как и предполагалось, преподнес ему неожиданные сюрпризы.
ОБЪЯСНЕНИЕ В НЕНАВИСТИ 
Так что новый главный балетмейстер Пермского театра оперы и балета Давид Авдыш рисковал с одной стороны сильно - если учитывать вкусы просвещенной публики. А с другой - не очень, если учесть, что публики такого качества осталось в Перми совсем не много, и если помнить о новом, приобретенном в последние годы свойстве романа. Булгаков тут не виноват. Кто знает, как наше слово отзовется… 
Авдыш намеренно сделал ставку на неподготовленную публику. И не прогадал. Перед премьерой я услышала в сквере перед театром такой диалог девушки с типичной боевой раскраской и угрюмого озабоченного юнца: 
- Ой, смотри, "Мастер"! Я так хочу-у. Пошли, а? (И тут же замурлыкала модную когда-то песенку про главных героев) 
- Ты чо - это же балет! 
- Ну и чо? Давай сходим, а? 
- Дак ведь там только пляшут. 
- Ну и пусть! Все равно ведь классно! 
Сходите, милые. Ничего, что "пляшут". Вам понравится. 
Спектакль действительно имеет успех. На втором представлении аплодисменты во время действия раздавались не менее десяти раз. Особенно восторженно восприняли балет иностранцы. Потому что, во-первых, все понятно, а это всегда радует, а во-вторых, их представление о России очень совпадает с тем, что мы видим в спектакле. 
Балет Авдыша, разумеется, не претендует на полноценное прочтение Булгакова. Да это и невозможно. Но, несмотря на уверения балетмейстера что он не собирается иллюстрировать роман, увы, именно это и произошло. Двухактный балет имеет многоэпизодное строение, из чего видно, что опыт Николая Боярчикова (пересмотревшего в семидесятые годы традиции балета-пьесы, с учетом блестящих достижений мейерхольдовской режиссуры) не пропал даром для Авдыша, выпускника ленинградской хореографической школы. Но поскольку многие эпизоды не связаны друг с другом ходом режиссерской мысли, понять "кто есть кто" довольно трудно даже тем, кто знает роман наизусть.. 
Тем более, что переосмыслению подверглись все концептуально значимые его герои . Берлиоз (в ярком техничном исполнении Ильи Шитова) в балете предстает в красной робе как представитель "левой" революционной интеллигенции, первой продавшейся дьяволу (большевики - это марионетки в его всесильных руках) и руководящей всенародной стройкой в первых рядах. В первых рядах и погибли представители "левого" искусства, откликнувшиеся на призыв к строительству нового мира. Только причем тут булгаковский Берлиоз? Он, вообще-то из другого ряда. 
Пролетарский поэт Иван Бездомный (Николай Калабин), в романе тесно связанный с линией Мастера, ставший его учеником, показан как угнетенный пролетарий, явственно напоминающий известную скульптуру Шадра. Бездомный валяется под садовой скамейкой, в буквальном смысле попираемый сапогом проклятой интеллигенции. Берлиоза, погибшего под колесами пролетарского паровоза (а вовсе не под трамваем), в общем, не жаль. Так ему и надо. 
Жаль даже не роман. С ним ничего не сделается. Жаль воздействия на публику лобовой агитации, которая ничем не лучше большевистской. Социалистическое прошлое показано изобретательно и зло. В духе полотен раннего ОСТа красиво сочинено общее движение масс. Правда, хореографические цитаты уж очень явно бросаются в глаза. Шествие в противогазах, патриотические песни, спетые срывающимися голосами артистов балета, кумачовые флаги и лозунги - все это клишировано, карикатурно и напоминает то ли театральный капустник, то ли уже давно вышедший из моды соц-арт. 
Особенно ошеломляет НКВД, решенный в виде кордебалета мюзикхольных герлс. "Герлы" из НКВД грациозны, прелестны и в момент их полного апофеоза - канкана на Красной площади - это "коллективное бессознательное" с длинными ножками, вдруг появляющимися из-под длинных черных плащей, вызывает бурный восторг мужской части публики традиционной ориентации. 
Но на самом деле все это не очень весело. Скорее, отдает театральной пошлостью. И самое ужасное, что образ этой страшной организации вызывает симпатию и веселье в зале. Оно оскорбляет тех, кто имеет к этой организации свой личный счет. Некоторые после этой сцены покинули зрительный зал. Словом, запоздалые объяснения балетмейстера с советской властью имеют какой-то странный привкус развесистой клюквы. 
ЛОВКОСТЬ РУК И ТОЛЬКО
Хореографическая эклектика первого действия, в котором в равных дозах смешаны классика, авангард прошлых десятилетий, лексика, явственно напоминающая стриптиз-клубы (эпизод с Низой и соблазнением Иуды, затянутый непомерно), эстрадные танцы, бытовая, лишенная даже естественной детской грациозности пластика детей, учеников Иешуа - все это создает ощущение художественного хаоса, и, что печальнее всего - банальности. 
При том, что даже в первом акте есть достойные режиссерские метафоры, интересно исполненные дуэты. Глубоко и неожиданно решена сцена в сумасшедшем доме, где пациенты заключены в клетки своего безумия и движутся каждый в своем пространстве. Красива, хотя и вторична сцена страданий Иешуа (Иван Порошин), ползущего подобно таировской Федре с длинным кровавым следом. Глубоко трагичен Воланд (лауреат международных конкурсов Сергей Мершин) в образе скорбного Черного ангела, напоминающего о падении этого вечного спутника Бога. 
Кратковременное появление Мастера в начале балета в маловразумительном эпизоде "Рукописи не горят" и в середине второго действия (в роли Мастера - Роман Геер) заставляет быстро забыть о нем. Дуэт с Маргаритой представляет собой красивый эстрадный номер, никак не связанный с трагической встречей героев. Так что тема Мастера и его творения вспоминается только при очередном фокусе: загорающейся в руках Воланда рукописи. 
Зато во втором действии много места занимают взаимоотношения Воланда и Маргариты (я видела спектакль, где Маргариту исполняла Ярослава Араптанова, только что получившая городскую премию как лучшая молодая балерина). Прелестные длинные линии ее точеной фигурки, точно найденная порывистая, ломкая пластика заставили задуматься о том, что природа образа Маргариты гораздо точнее выражается в танце, нежели в слове. Но молодой балерине не по силам и не по опыту выражение драматизма Маргариты, уже потерявшей Мастера. 
Мершин в партии Воланда - настоящий балетно-оперный Мефистофель. В нем как раз есть инфернальность балетного злого гения. Только вот беда - Булгаков не имеет к такому Воланду решительно никакого отношения. 
Во втором действии вообще происходят какие-то странные подмены. Взаимоотношения Воланда и Маргариты развиваются независимо от темы романа. В красивых почтительных поддержках-объятиях Воланда Маргарита как будто вовсе забывает о Мастере. Во всяком случае, не ощущается ни драматизма, ни решимости отчаяния от сделки с Сатаной. Впечатляет трюк с полетом героини. Не доверяя возможностям танца, балетмейстер вспоминает известный "полет Тальони". Но летающая во тьме каскадерша как-то не совпадает с полетом булгаковской Маргариты.
Необыкновенная ловкость рук все время присутствует в спектакле, где совершаются невидимые глазу, но важные для смысла подмены. И их набирается великое множество. То, что вся Москва во власти Князя Тьмы - это не Авдыш придумал. Только балетмейстер уж очень буквально и даже наивно воплотил это. Но то, что Воланд - единственная великая сила в мире - это очевидная ловкость рук. И делается это так. 
В первом действии показан безвольный, беспомощный Иешуа и скорбный величественный Воланд. В конце спектакля Воланд предстает как властный организатор смертей и казней, дарующий покой и забвение. И рядом - Иешуа, бредущий неизвестно куда с неразумными детьми, похожий на воспитателя детсадовской старшей группы. Пелена то ли пепла, то ли забвения очень красивой впечатляющей метафорой, как широкая вечная река, расстилается на сцене. И великий Воланд уводит учеников Иешуа за собой. Только несколько ребятишек польстились на наивные фокусы Божьего сына. В руках его распускаются яркие бумажные (!) цветы. Совершенно уничтожен безмолвный диалог с Иисусом, который в течение всего романа Булгакова ведет тот, кто "вечно хочет зла и вечно совершает благо". И это - самый печальный итог спектакля. 
Татьяна Тихоновец. 
Влюбленные – безумны

Человек разумный - созидает. Человек влюбленный - творит. Человек, беззаветно влюбленный в искусство, творит как раз то, что принято называть "вечными ценностями". В жизни Натальи Ильиничны Сац любовь к искусству, воплощенная в единственно гармоничном треугольнике "подогнанного пространства" - театру, детям, музыке, вылилась в надежду раздать счастье по кусочку: "чтобы никто не ушел обиженным" - каждому-каждому ребенку. Это сделало труд Н.И. Сац высоким подвигом и сотворило для тогдашних детишек и последующих поколений зрителей единственно доступное земное чудо - чудо лицедейства. Искренне влюбленная в искусство, преданно и с трогательной самоотдачей служила эта великая актриса своему призванию подвижника, без остатка посвящая себя роли ваятеля детских душ. В этом году со дня рождения этой актрисы, режиссера, писательницы, человека фантастических свершений исполняется сто лет. Наталия Ильинична по праву считается родоначальницей трех детских театров страны. Да и, пожалуй, нигде в мире до нее не возникало такого прецедента. 
Вероятно, любовь к искусству передается генетически: ее отец, композитор Илья Сац, всю свою жизнь посвятил служению музыке, в особенности, театральной. Именно ему обязаны мы, современные зрители, тем, что на занавесе и эмблеме Детского Музыкального театра застыл силуэт "Синей птицы" из знаменитых "сновидческих" пьес Мориса Метерлинка, - он был автором музыки к одноименному спектаклю, поставленному во МХАТе. Итак, впечатления, полученные в детстве совсем еще юной Наташей, для души ее послужили механизмом замедленного действия, на долгие годы определив творческую судьбу. И вот в 1918 году, вдыхая будоражащий кровь пьянящий воздух перемен, пятнадцатилетняя Наташа пришла искать места в театрально-музыкальной секции. Так было положено начало первому театральному коллективу для детей. О вешалке, с которой, по Станиславскому, начинается театр, не могло идти и речи. Сценой служил полок, сколоченный из досок, лежащий на четырех колесах. Запрягали лошадь, и театр начинал свое путешествие по самым разным районам Москвы. "Работая в детском отделе, я ни на минуту не переставала ощущать себя счастливым человеком, удивляться тому, что за радость такой работы еще платят деньги. Чувствовала, как, помогая росту любимого дела, расту сама". Итак, время неслось стремительными шагами; работа же детского отдела охватывала все большее количество юных зрителей: за 2 года более 2-х миллионов москвичей увидели 1823 детских спектакля. "Розовая, деловая не по возрасту девушка время от времени проносилась мимо моего стола в подотделе, - вспоминает В.Каверин. - В ее стремительных появлениях и исчезновениях, в энергии, даже в ее берете, небрежно сбивавшемся то на левое, то на правое ухо, была одержимость". С фотографии того времени смотрит озорной курчавый ангел, Пьеро с с легкой гримаской Арлекина. Волей случая о "подвигах" Наташи узнал нарком просвещения Луначарский. И вот - долгожданное чудо: первый в мире театр для детей родился в помещении бывшего кинотеатра "Арс", открытие состоялось 13 июля 1921 года спектаклем "Жемчужина Адальмины" по сказке З.Топелиуса. Можно привести только одну цифру: за годы революции с легкой руки Н.И.Сац в стране было организовано более 60 детских театров. Наталия Сац
Первые спектакли ее нередко возбуждали споры, но Наталья  Ильинична упорно искала новые формы представления: она вовлекала детей, сидящих в зале, в игру, заставляя внедряться в театральный мир, раскрывая двери в сказку. Она ставила перед собой сверхзадачу - с первых дней обоснования театра сделать его учреждением педагогическим. 
Ее преданное служение искусству заразительно действовало на тех, кто шел рядом - с Наталией Ильиничной были единомышленники, понимавшие, насколько это важно - подарить детям искусство. В создании спектаклей участвовали маститые режиссеры Н.Волконский. А. Дикий, А.Грановский, художники А.Веснин (он был автором первой эмблемы театра), художник К. Юон, писатели Н.Огнев, С.Розанов, композиторы А.Александров, А.Половинкин и совсем юный Д.Кабалевский, с которым связаны наиболее выдающиеся достижения в области музыкальной педагогики советского периода. 
Весной 1933 года исполнилось 15 лет с того времени, как Н.Сац начала работать над созданием первого в мире театра для детей. В юбилейной заметке Л.Кассиль писал: "Да, надо любить это трудное дело, надо любить эти застывшие, внимательные мордашки, согретые отсветами рампы, вскрики и реплики общительного зала, высокий звук аплодирующих детских ладошек…А Наталия Сац любит это". 
Замысел Н.Сац осуществился. Прави-тельственное решение о создании Центрального детского театра, которому придавалось первостепенное значение и передавалось помещение бышего МХАТ - 2 на площади в самом центре Москвы, было опубликовано 2 февраля 1936 года.  Практически через месяц спектаклем "Сережа Стрельцов" В.Любимовой началась новая жизнь театра. Но открытие Центрального детского для Н.Сац и ее сподвижников связано со спектаклем, в котором виделись далеко идущие перспективы, - 10 декабря 1936 года состоялась премьера "Золотого ключика" А.Толстого. 
Надвигался смутный 1937 год - над головой создательницы театра споро сгущались тучи: Н.Сац была репрессирована, получив по приговору суда пять лет ссылки в Сибирь. Но помогла продержаться ей в этом унизительном и фатально несправедливом отрезке времени любовь к своему делу и вера в справедливое будущее. Воистину, "влюбленные - безумны". В книге воспоминаний Натальи Ильиничны мы находим удивительные слова: "Я отношусь к морозоустойчивым. Пережили страшное, но трещину не дали. Я люблю мою страну! Да, люблю со всеми ее сложностями, когда в сердце зацеплено что-то главное, даже огрехи бессильны вытеснить это "я люблю". Да и непонятно мне, как можно плевать в колодец, из которого пила и пью столько живой воды,.. которая сделала меня мной". Эта любовь помогла ей пережить годы ссылки, и позже, когда она жила в Казахстане, организовать первый в республике Театр юного зрителя. Новая жизнь началась немного позже. После реабилитации Н.И.Сац вновь полна сил и энтузиазма. И 21 ноября 1965 года премьерой оперы М.Красева "Морозко" открывается первый в истории Детский Музыкальный театр. В конце семидесятых годов прошлого, ХХ века, на проспекте Вернадского построено новое уникальное здание, в котором он размещается и по сей день.
"Дети - самые чистые, искренние, неискушенные зрители; мы и сами становимся чище, играя для них",- говорила Наталья Ильинична. Говорят, что синюю птицу поймать невозможно. Может быть, это не так? 

 Татьяна Сирош.
Bravo, Рудий!
29 сентября в Концертном зале им. Чайковского состоится открытие 67 сезона Государственного академического ансамбля народного танца под руководством Игоря Моисеева. Ансамбль покажет программу "Дорога к танцу". На следующий день, 30 сентября, пройдет концерт, посвященный 60-летию солиста и педагога, народного артиста России Рудия Хаджояна, чей творческий путь неразрывно связан с историей народного танца в России и с творчеством Игоря Моисеева.
Рудий Ходжоян - один из самых ярких, звездных артистов ансамбля Игоря Моисеева, живое воплощение принципов моисеевской школы танца. Его карьера началась более сорока лет назад. Тогда на одном из самодеятельных смотров талантливого семнадцатилетнего танцора заметил Игорь Моисеев и пригласил в Школу-студию при ансамбле для стажировки. Яркая сценическая внешность, редкие природные данные, артистизм и, главное, уникальный взрывной темперамент помогли Рудию быстро стать солистом и освоить самые сложные партии.
Какой бы танец ни исполнял этот артист от Бога, его всегда отличает редкая органичность. Любой национальный характер - будь то аргентинский пастух ("Гаучо"), остроумный молдавский весельчак ("Хитрый Мокану"), мужественный партизан-мститель ("Пар-тизаны", темпераментный таборный цыган ("Цыгане"), заботливый отец семейства ("Семейные радости"), этот замечательный  актер-танцовщик наделяет личными чертами. Рудий  Ходжоян в номере Гаучо
Репертуар солиста огромен - десятки разнообразных по технике и драматизму партий. В любой, самой сложной партии природный талант Рудия Ходжояна блистает яркими красками. И в каждом из героев танцовщика зритель узнает подлинные черты народного характера - актерское дарование Рудия Ходжояна поистине безгранично. Пресса всего мира отмечает его исключительную исполнительскую манеру, равной которой трудно найти как среди профессионалов, так и среди танцоров-любителей. 
Уникальное дарование Рудия Ходжояна еще и в том, что он в совершенстве владеет многими национальными инструментами. Например, даже таким сложным, как грузинский доул. Рудий Енокович аккомпанирует всем восточным танцам, которые исполняют артисты ансамбля. Ему принадлежат инстру-ментальные обработки и аранжировки музыки ко многим танцам, в частности, второй части одноактного балета "Ночь на Лысой горе". Талантливо аранжируя народные мелодии для номеров, поставленных Игорем Моисеевым, он привносит новые красочные нюансы, обогащающие исполнительское мастерство артистов ансамбля. Его творчество получило высокую оценку: Рудий Ходжоян - народный артист России, он награжден "Орденом Почета". В 2003 году к 60-летию Руднй Ходжоян удостоен ордена "За заслуги перед Отечеством" IV степени.
Вот уже несколько поколений тан-цовщиков с благодарностью могут вспомнить уроки Рудия Ходжояна - его педагогический талант так же ярок, как исполнительский и музыкальный. Сегодня вместе с ним на сцене танцуют его ученики, и это лучшее свидетельство творческого долголетия "живой легенды" ансамбля, как называют Рудия Ходжояна во всем мире. 
Д.Г
Московская Эсмеральда 
Сравнение и оценка разных составов в постановке балета "Собор Парижской Богоматери" Ролана Пети в Большом театре - занятие весьма увлекательное. Несмотря на солидный возраст самого спектакля, для молодых солисток труппы роль Эсмеральды оказалась отличной возможностью продемонстрировать свои способности адаптироваться в необычной пластике танца модерн. 
Первое выступление в главной партии этого балета молодой балерины  Екатерины Шипулиной было встречено балетоманами с живым любопытством -  ведь именно ее постановщик выбрал на кастинге первой, а станцевать премьеру артистке не удалось лишь по вине обстоятельств. Зато в финале сезона балерина получила возможность заявить о своем новом амплуа. От блестящих и властных героинь классического репертуара - Мирты, Гамзатти и Повелительницы дриад - она с естественностью и интересом обратилась в сторону современной хореографии. Отлично выступив в "Светлом ручье" Алексея Ратманского, Екатерина Шипулина со всем энтузиазмом и страстью молодости отдалась дебюту в роли Эсмеральды. Екатерина Шипулина - Эсмеральда
Уже первый выход балерины задал высокий градус спектаклю. Танец Эсмеральды на соборной площади, в котором жесткий рисунок сочетался с чувственной пластикой, сразу очертил характер героини. Эсмеральда Екатерины Шипулиной - грациозная, длинноногая, откровенная: словно комета ворвалась на сцену Большого театра, заполненную кордебалетом в ярких минималистских платьях от молодого Ива Сен-Лорана. 
К чести юной дебютантки следует сказать, что ей чрезвычайно "идет" современная хореография со всей ее резкой сложностью. Виртуозный дуэтный танец и даже выступление в своеобразном любовном трио с красавцем Фебом (Александр Волчков) и зловещим  Клодом Фролло (Руслан Скворцов) удается ей не менее эффектно. Характер героини трансформируется: из гордой независимой уличной танцовщицы она превращается в охваченную страстью красавицу, на которую затем обрушиваются горестные испытания. 
Современный стиль, присущий Екатерине Шипулиной, - пластическая свобода, эффектные удлиненные линии тела, смелость и дерзость по отношению к сложностям, яркость и выразительность жеста, фиксированность и чистота поз, - необычайно выигрышно смотрится в "Соборе Парижской Богоматери". Эсмеральда - та роль, в которой актрисе посчастливилось открыть новые грани своей индивидуальности. 
И, конечно, нельзя не сказать об отточенном до мельчайшего нюанса дуэте с Дмитрием Белоголовцевым в роли Квазимодо. Внеся в танец оригинальные краски, артисты подсознательно приблизились к первоисточнику - французским звездам, так запомнившимся москвичам по давним гастролям Марсельского балета - Клер Мотт и Сирилу Атанасову. Всем известно, что в "Соборе" качество исполнения определяется по финалу знаменитого дуэта Эсмеральды и Квазимодо - насколько мягко и незаметно удается горбуну, плавными движениями маятника убаюкивающего цыганку, положить партнершу на пол. И даже, если перед этим есть все необходимое: трепещущая перед лицом рука, неуверенный, словно исследующий пространство шаг, гимнастические поддержки и сильные страсти, - без финальной точки, в которой незаметно соприкасаются доски сцены и тело девушки, балет не может считаться покоренным. В нашем случае эта точка выглядела убедительно и эффектно, как и все, что ей предшествовало.
Наталия Колесова.
С  Гришко танцуют все

Все лучшее - детям. Для фирмы "Гришко" это не просто девиз. Вот уже много лет "Гришко" спонсирует всевозможные акции, фестивали и танцевальные коллективы, поддерживает российских участников международных балетных конкурсов и делает все, чтобы одаренные дети из многих городов страны могли учиться в престижных школах за рубежом.
Президент фирмы не забывает и о своих юных земляках. Все мы родом из детства, а детство Николая Гришко прошло в Киеве.
Киев - танцующая столица танцующей страны. На Украине имеются десятки хореографических коллективов, студий, школ, ансамблей и клубов. Лучших из лучших недавно собрал III Международный фестиваль современной хореографии "Танцующая весна - 2003". По традиции пригласили друзей-соперников из России, Белоруссии, Эстонии.
Фестиваль - это не только соревнования. Ведь самым младшим его участникам - всего 5 лет. Да и тем, кто старше 15-ти, хочется и уму-разуму поучиться, и повеселиться. Конкурсантов ждали увлекательные экскурсии, мастер-классы ведущих педагогов, веселые дискотеки. Все это стало возможным благодаря помощи спонсоров, среди которых и фирма "Гришко".
Победители получают сертификаты на приобретение коллективом любой продукции "Гришко" со скидкой: 20% - 1 место; 15% - 2 место; 10% - 3 место. Мудрым наставникам, приведшим своих подопечных к победе, вручают сувениры и фирменные майки "Гришко". Кроме того, фирма учредила специальный приз - набор репетиционных костюмов от "Гришко". В этот раз его получил дуэт "21 век" из Луганска и творческая мастерская "Ангажемент" из города Белая Церковь.
Конечно же, весь танцующий Киев знает марку "Гришко", как знают ее в сорока странах мира. Еще недавно великий торговый путь соединял две дружественные столицы. Но теперь жителям Киева больше не нужно просить знакомых или дожидаться оказии съездить в Москву. В октябре 2002 года здесь открылся фешенебельный салон "Гришко". Ассортимент широк: обувь, одежда и аксессуары для всех видов танца, эстрады, цирка и художественной гимнастики, костюмы для музыкального и драматического театра, фигурного катания, шейпинга, аэробики, репетиционная одежда, популярная трикотажная коллекция "Sport and Street". Среди постоянных посетителей салона профессионалы и любители - от примадонны Киевской оперы до делающего первые танцевальные па карапуза. 
С "Гришко" танцуют все!

.
главная